Enviado por Adminon 26/10/2006 10:48:55 (239 Lecturas)
26 de octubre
Luego de dos semanas de permanecer cerrado, el Museo Nacional de Arte (Munal) reabrió hoy sus puertas con una magna exposición titulada "LACMA: Obras maestras 1750-1950", pintura estadounidense del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles.
La directora del Museo Nacional de Arte, Roxana Velásquez, comentó que están muy contentos por este proyecto, que fue el resultado de dos años de trabajo con el organismo californiano. Destacó que para el Munal es importante la relación con el recinto del LACMA, el cual es poco conocido, pero es uno de los espacios más tradicionales y que tiene muchos más años de fundado, pues es de principios del siglo XX.
Recordó que el LACMA entró en una etapa de remodelación hace un par de años y se pensó que si iban a cerrar, entonces se tendría la oportunidad de que una parte de esa colección estuviera aquí.
Puntualizó que con motivo de la muestra "LACMA: Obras maestras 1750-1950" se llevará a cabo en el Munal, los días 12 y 13 de febrero de 2007, un coloquio internacional con especialistas estadounidenses y mexicanos, quienes abordarán las convergencias y divergencias, así como las relaciones del arte en ambos países.
Dicha muestra permanecerá en exhibición hasta el 1 de abril de 2007.
Enviado por Adminon 24/10/2006 15:26:27 (255 Lecturas)
24 de octubre
Ante los móviles de Calder dijo Sartre que no bastaba con echarles un vistazo, sino que había que contemplarlos morosamente hasta sentir su fascinación. Lo mismo ocurre con estas video-instalaciones de Willie Doherty. Al igual que el móvil, son construcciones cinéticas integradas por elementos dispares que describen movimientos individuales e interdependientes. Y es que Doherty se formó como escultor.
Su instalación de 1993 presenta una frialdad visual alusiva a la video-vigilancia. Proyectada en bucle sobre dos pantallas dispuestas de modo que sólo puedan verse de forma alternada, capta las ópticas respectivas del cazado y del cazador. Si en el móvil la repetición queda eliminada por la indeterminabilidad de las secuencias cinéticas, lo que en este artificio videográfico imparte aleatoriedad a lo invariable es la imposibilidad de dominar simultáneamente las dos pantallas: cada aprehensión nueva del conjunto será distinta.
De estética más suntuosa es la instalación Amenaza no específica, de 2004. En medio de un recinto que a primera vista parece una bodega cualquiera pero que luego revela unos muros de gran riqueza plástica —sombras oblicuas, puntos luminosos, manchas de color, grafismos, figuras zoomorfas, bosque anochecido— está plantado un hombre con aspecto de paramilitar. Sometido a una implacable vigilancia panóptica, no sólo aguanta el tipo sino que desprende violencia indómita. Un monólogo en off que igual podría ser del vigilado que del vigilante enuncia alternadamente dominio y sometimiento absolutos: "seré lo que quieras que sea; tu muerte es mi salvación".
Enviado por Adminon 6/10/2006 11:59:10 (275 Lecturas)
6 de octubre
Un pequeño grabado de Rembrandt de 1632 que representa a Adán y Eva como personajes absolutamente terrenos, alejados de las proporciones ideales del renacimiento italiano y más cercanos a individuos de la época en que vivió el pintor holandés, motivó al artista mexicano Gilberto Aceves Navarro a pintar una serie de obras que expondrá a partir del 7 de octubre en el Parque Fundidora de Monterrey, Nuevo León.
De su encuentro con Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669) dice: “fue maravilloso, mucha de su obra ya la conocía, pero al estar en su casa me encontré con infinidad de cosas nuevas”. El Premio Nacional de Ciencias y Artes 2003 viajó especialmente este año a Holanda para celebrar con Rembrandt su aniversario número 400.
El creador que cuenta en su haber con más 200 exposiciones colectivas y una treintena de muestras individuales, señala que la muestra Adán y Eva según Rembrandt, nació de la invitación que le hizo un grupo de señoras voluntarias con el fin de que donara una de sus obras a la subasta de beneficencia a favor del “Hogar de la Misericordia”.
“Pinté 25 cuadros de 1.30 centímetros por 1.10, inspirado en Adán y Eva, pero debo decir que esa serie no me dejó completamente satisfecho, así que necesito hacer más y continuar con este tema hasta agotarlo”, revela el artista que ostenta una carrera prolífica e ininterrumpida.
Enviado por Adminon 4/10/2006 12:02:46 (254 Lecturas)
4 de octubre
El Museo Nacional de San Carlos (MNSC) pone a dialogar sus obras clásicas con el arte contemporáneo. El resultado, auguran, puede ser tan polémico como la siguiente imagen: sobre el muro, el óleo de Adán y Eva, realizado en 1530 por Lucas Cranach (1472-1553), mientras que en el piso -justo frente al cuadro que representa a los padres de la humanidad- la obra Adán y Eva bajo la mesa, una instalación con un par de esqueletos humanos vestidos de novios, flores y anillos, que están debajo de una mesa llena de botellas vacías de bebidas alcohólicas, cocaína, basura, copas rotas y dinero.
La instalación es una obra del artista británico Damien Hirst (Bristol, 1965), el célebre creador del tiburón flotante en formol que en 2005 fue vendido en 9 millones de euros. Ahora, el arte de Hirst se confronta en un diálogo con las obras maestras de la colección permanente del MNSC, como las de Tintoretto, Francisco de Zurbarán y Hendrick de Clerck, entre otros, en la exposición Visitaciones, una muestra dividida entre el museo y la Galería Hilario Galguera, que será inaugurada el próximo 5 de octubre.
El curador e investigador de arte contemporáneo Víctor Zamudio Taylor, considera que es una exposición parteaguas, pues no sólo se trata de un diálogo de uno de los maestros más importantes del arte contemporáneo, con piezas claves del acervo del MNSC, sino que también es una intervención por parte del artista a la memoria visual y plástica que este museo resguarda.
Enviado por Adminon 27/9/2006 10:39:33 (299 Lecturas)
27 de septiembre
Una muestra de treinta obras sobre el cuerpo humano, entre ellas cuadros del español Pablo Picasso, el mexicano Rufino Tamayo y el británico Francis Beacon, será exhibida desde esta semana en un museo de arte contemporáneo de la capital mexicana.
Los trabajos de la exposición "Arte y cuerpo", que abrirá sus puertas el jueves 28 de septiembre, representan el cuerpo humano "dolorido, erótico y vital" en el museo "Rufino Tamayo". El comisario de la muestra, Juan Carlos Pereda, explicó hoy en rueda de prensa que la exposición es el resultado de una nueva lectura de la colección del museo.
La muestra que se exhibirá hasta el 28 de enero de 2007, está integrada por óleos, fotografía, dibujo y escultura de una veintena de artistas de Europa y Latinoamérica cuyos lienzos forman parte del acervo del museo.
Entre la obra a exhibir destaca "Desnudo sobre el diván", de Picasso, y "El tiritador" del francés Jean Dubuffet, o las fotos eróticas del estadounidense Irving Penn.
Como la anterior esta última muestra también permanecerá abierta hasta el 28 de enero de 2007.
Enviado por Adminon 26/9/2006 10:12:24 (250 Lecturas)
26 de septiembre
Aun cuando nos hayan legado todo un mundo, el oficio de los dos integrantes del Equipo Crónica no era el de demiurgo —si precisamente se habían incorporado al movimiento internacional de rechazo a la poética del informalismo— sino más bien el del minucioso fabricante de lentes.
Resulta evidente el parentesco de “los crónica” con el pop art, a condición de señalar que, a la hora de aprovechar los ready-made semióticos, la Marilyn de Warhol será inevitablemente sustituida por una Venerable Madre de sexo ambiguo adornada de moñitos rosa surrealistas: corrían en España tiempos de dictadura y si bien los procedimientos del Equipo se asemejaban a los del arte pop, sus canteras de iconos no podían ser sino muy distintas.
Muere Franco y a los modos propios de la oposición clandestina se suceden otros más acordes con la transición. La pintura misma se vuelve cada vez más el objeto exclusivo de análisis y reinvención. Obra temprana es la ejecutada en acrílico sobre táblex donde, en una secuencia de cuatro encuadres a la manera de las historietas o los fotogramas, el piloto se metamorfosea en chacal. Más bien tardío es el óleo sobre lienzo titulado Chimeneas en el que con la monocroma planitud ortogonal de la fábrica se conjugan las pinceladas gestuales del humo para que unas manidas palmeras con playa se nos transformen en sombrío paisaje industrial.
Palacio de Minería, Tacuba 5, Centro Histórico, hasta el 3 de noviembre.
Enviado por Adminon 19/9/2006 11:00:59 (218 Lecturas)
19 de septiembre
Germán Cueto fue un creador de múltiples búsquedas que "renovó la escultura en México", fue vanguardista y tuvo una "imaginación desbordada", no en vano se le considera el padre del arte moderno en América Latina. La obra de Cueto adquiere tal vigencia hoy que será exhibida en uno de los recintos que más visitan los jóvenes: el Museo de Arte Carrillo Gil, donde el próximo jueves se abrirá una exposición con más de 120 piezas, entre máscaras, pinturas, esculturas y cerámicas. Cueto fue el principal escultor del Estridentismo. Para la crítica de arte Raquel Tibol, Cueto fue un artista de búsqueda y exploración que renovó la escultura en México.
Tras 25 años de que no se organizaba una exposición con la obra de Germán Cueto en la ciudad de México (la última se presentó en el Museo de Arte Moderno, en 1981), el Carrillo Gil abrirá una muestra que ofrece una amplia panorámica de la versatilidad de este artista que lo mismo hizo máscaras, pintura, escultura en bronce, piedra, alambre y pasta, y que incursionó en el teatro y en la creación de escenografías y vestuario para la danza.
Las máscaras fueron una constante en la carrera de Cueto. Como la escultura implica altas inversiones, cuando estuvo en Europa maravilló a todos con la creación de piezas que inventaba apenas con un pedazo de cartón. En su estadía en París (en 1927), se unió al grupo Cercle et Carré (Circulo y Cuadrado), en cuyo núcleo se relacionó con Seuphor, Mondrian, Kandinsky, Arp, Léger y Calder.
Enviado por Adminon 12/9/2006 10:44:49 (216 Lecturas)
12 de septiembre de 2006
Como México mantuvo la ''digna" posición de jamás reconocer a la dictadura de Franco, aquí no se difundieron el arte oficial y el no oficial de España. Lo anterior fue manifestado por Facundo Tomás, curador de Equipo Crónica, exposición itinerante que recoge la obra vanguardista y antifranquista creada por los valencianos Rafael Solbes (1940-1981) y Manolo Valdés (1942), inaugurada anoche en el Palacio de Minería (Tacuba 5, Centro Histórico).
Con nuevos aprendizajes a cuestas, el binomio artístico siguió por la misma línea hasta que murió Franco, en 1975. Primero hicieron una crónica de la transición, sin referirse directamente al dictador, aunque ya no estaba. Después derivaron hacia una conciencia del ''pintor sobre la pintura". Equipo Crónica se acabó de manera intempestiva en 1981, cuando Solbes sucumbió a una hepatitis fulminante. Valdés emprendió, entonces, su propio camino.
Integrada por 45 obras, 16 pinturas, 27 piezas sobre papel -serigrafías, collages y linóleos- y dos esculturas múltiples, la muestra, promovida por el Instituto Valenciano de Arte Moderno, que dirige Consuelo Císcar, ya se presentó en Montevideo, Asunción, Buenos Aires, Rosario, Santiago de Chile, Sao Paulo y Bogotá.
Consuelo Císcar anunció que México será el país invitado de la octava versión del Simposium Internacional Diálogos Iberoamericanos, en 2007.
Enviado por Adminon 9/9/2006 0:00:00 (213 Lecturas)
1. XII Bienal de Fotografía Centro de la Imagen Plaza de la Ciudadela # 2, Centro Histórico Tel. 5709- 15 99. M a D de 11 a 18 hrs. Entrada libre Inauguración: 14 de septiembre a las 19:30 horas Hasta el 5 de noviembre
Hace 26 años fue la primera edición y la Bienal de Fotografía aún mantiene su prestigio al considerarse "el certamen fotográfico más importante del país", encargado de premiar a aquellos que inician su carrera con trabajos de calidad y a quienes ya cuentan con trayectoria en el campo. Como "una imagen vale más que mil palabras", a partir del 14 de septiembre, el Centro de la Imagen exhibirá los 44 trabajos seleccionados de la XII Bienal de Fotografía.
Enviado por Adminon 6/9/2006 11:43:03 (226 Lecturas)
6 de septiembre de 2006
A casi siete meses de su fallecimiento, el pintor y escultor Juan Soriano (1920-2006) está más presente que nunca en la memoria de quienes admiran su obra. Esto lo demuestra el creciente interés de diversas instituciones culturales -públicas y privadas- por organizar exposiciones que muestren el trabajo de este excepcional artista mexicano. Además, su compañero Marek Keller ya inició los trabajos para fundar un museo con el nombre de Soriano, en Polonia.
En lo que resta de este año, están en puerta exhibiciones de Juan Soriano en las instalaciones del Instituto Politécnico Nacional (IPN), en Zacatenco; en una zona hotelera de Puerto Vallarta; en el Museo Soumaya de la ciudad de México; en el Espacio México del Consulado General de México en Montreal, Canadá; y en el Museo Reina Sofía de España. Además, para 2007 ya está programada una muestra en el Museo de Arte de Filadelfia y otra más en el Meadows Museum, en Dallas, en donde las esculturas de Soriano inaugurarán un espacio al aire libre, renovado por el arquitecto español Santiago Calatrava.
Para noviembre, el Museo Soumaya prepara una exposición-homenaje al llamado "Niño de mil años", en la que se mostrarán todas las técnicas que trabajó a lo largo de su carrera artística. En este espacio ubicado en el sur de la ciudad de México, se exhibirán algunas piezas nunca antes expuestas e incluso tres cuadros inconclusos, entre ellos, un retrato a Rufino Tamayo, que nunca pudo terminar de pintar Soriano porque no quedaba conforme.
